Igor Fyodorovich Stravinski

Igor Fyodorovich Stravinski (en ruso Игорь Фёдорович Стравинский, Igor' Fiodorovich Stravinsky) (17 de junio de 1882 – 6 de abril de 1971) fue un compositor ruso de música clásica, uno de los más importantes y trascendentales del siglo XX.
Compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus periodos iniciales - el llamado período ruso - : El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipo de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.
Stravinski también alcanzó fama como pianista y director de orquesta, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también un escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética Musical), en el cual, dijo una famosa frase: "La música es incapaz de expresar nada por sí misma"[1]. Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky[2] (Conversaciones con Stravinski).
Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

Stravinski nació en Oranienbaum (llamada Lomonosov desde tiempos soviéticos), cerca de San Petersburgo el 18 de junio de 1882. Creció en San Petersburgo al cuidado de su padre y hermano mayor, siendo su primera infancia una mezcla de experiencias que revelaban poco al artista cosmopolita que llegaría a ser. Si bien su padre Fiodor Stravinski era bajo de ópera en el Teatro Mariinski, Stravinski estudió en un inicio para ser abogado. Cambiaría a la composición tiempo después. En 1902, a los 20 años de edad, Stravinski se convirtió en alumno de Nikolái Rimski-Kórsakov, probablemente el compositor ruso más importante de su tiempo. Una de sus obras de estudiante, Feu d'artifice (fuegos artificiales en francés), llamó la atención de Serguei Diaghilev, que impresionado por esta obra comisionó a Stravinski primero varias orquestaciones, y luego un ballet completo, El pájaro de fuego.
Stravinski dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir a París al estreno de El pájaro de fuego por los Ballets Rusos. Durante su estancia en dicha ciudad, compuso dos obras más para los Ballets Rusos: Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). Los ballets revelan el desarrollo estilístico del compositor: desde El pájaro de fuego, cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimsky-Korsakov, a Petrushka con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de La consagración de la primavera. Como Stravinski mencionó acerca de sus estrenos, su intención era "[mandar] todo al demonio". (Lo logró: El estreno de La consagración de la primavera en 1913 fue probablemente el más famoso "escándalo" en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del público y la necesidad de vigilancia policíal durante el segundo acto).
Stravinski desplegó un deseo inagotable por aprender y explorar el arte y la literatura en vida. Este deseo se manifestó en algunas de sus colaboraciones en París. No sólo fue el compositor principal para Sergei Diaghilev de los Ballets Rusos, sino también colaboró con Pablo Picasso (Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (Oedipus Rex, 1927) y George Balanchine (Apollon Musagete, 1928).


Stravinski y Pablo Picasso colaboraron en Pulcinella en 1920. Picasso aprovechó la oportunidad para hacer varios bocetos del compositor.
Relativamente pequeño de estatura y no convencionalmente atractivo, Stravinski no era fotogénico, como muchas fotos lo demuestran. Él todavía era joven cuando, el 23 de enero de 1906, se casa con su prima Katerina Nossenko a quien conocía desde pequeño. Su matrimonio se mantuvo durante 33 años, pero el verdadero amor de su vida, y después, su compañera hasta su muerte, fue su segunda esposa Vera de Bosset (1888-1982). Aunque un notorio galanteador (se rumoreo que tuvo encuentros con personalidades influyentes como Coco Chanel), Stravinski también era un hombre familiar que consagró cantidades considerables de su tiempo y dinero a sus hijos e hijas. Uno de sus hijos, Soulima Stravinski, también era un compositor, pero es poco conocido en comparación a su padre.
Cuando Stravinski conoció a Vera en los inicios de los años 20, ella estaba casada con el pintor y diseñador de escenarios Serge Sudeikin, dado a que ellos tempranamente empezaron a tener encuentros amorosos, esto llevó a Vera a dejar a su marido al cabo de un tiempo. Desde ese momento y hasta la muerte de Katerina en 1939 Stravinski llevó una vida doble, invirtiendo parte de su tiempo con su primera familia y el resto con Vera. Katerina aprendió pronto de la relación y lo aceptó como inevitable y permanente. Después de su muerte Stravinski y Vera se casaron en Nueva York donde ellos habían viajado desde Francia para escapar de la guerra en 1940.
El patrocinio nunca estuvo lejos. En los comienzos de la década de 1920 Leopold Stokowski pudo darle un apoyo regular a Stravinski como su "benefactor" anónimo. El compositor también pudo atraer comisiones: la mayoría de sus trabajos desde El Pájaro de Fuego en adelante, fueron escritos para ocasiones específicas y se pagaron generosamente.
Stravinski demostrado su aptitud para "jugar" al rol de "hombre del mundo", adquirió un instinto perspicaz para las cuestiones de negocio lo que le permitió aparecer relajado y cómodo en muchas de las ciudades mayores del mundo. En París, Venecia, Berlín, Londres y Nueva York era recibido con los mayores respetos como un exitoso pianista y director. La mayoría de las personas que lo conocieron a través de conversaciones personales y de sus actuaciones lo recuerda como cortés, atento y preocupado de los demás. Por ejemplo, Otto Klemperer, quién conocía bien a Arnold Schoenberg, dijo que él siempre encontró a Stravinski mucho más cooperativo y fácil de tratar. Al mismo tiempo él tenía un menosprecio por las "clases sociales inferiores": Robert Craft se avergonzaba por su hábito de golpear un vaso insistentemente con un tenedor y ruidosamente exigir la atención en los restaurantes.
Eventualmente el futuro músical de Stravinski fue noticia por Serge Diaghilev, el director de los Ballets Rusos en París. Él comisionó a Stravinski para escribir un ballet para su teatro, por lo que este viaja a París en 1911. Ese ballet terminó siendo el famoso L'Oiseau de Feu (Pájaro de Fuego). Sin embargo, debido a la Primera Guerra Mundial, él se mueve a la neutral Suiza en 1914. Él volvió a París en 1920 para escribir más balletes así como muchos otros trabajos. Posteriormente viaja a Estados Unidos en 1939, donde se nacionalizó ciudadano en 1945. Él continuó viviendo en Estados Unidos hasta su muerte en 1971. Stravinski se había adaptado a la vida en Francia, pero el trasladarse a América, a la edad de 58 años, era una perspectiva muy diferente. Durante un tiempo él conservó el deseo de traer a sus amigos rusos y contactos, pero al poco tiempo comprendió que esto no sostendría su vida intelectual y profesional en EE.UU. Cuando planeó escribir una ópera con W. H. Auden, la necesidad de adquirir más familiaridad con el mundo angloparlante coincidió con el encuentro con el director y musicólogo Robert Craft. este último vivió con Stravinski hasta su muerte, actuando como intérprete, cronista, director auxiliar y factótum para una infinidad de tareas musicales y sociales.
El gusto de Stravinski por la literatura es amplio, y refleja su deseo constante de nuevos descubrimientos. Los textos y las fuentes literarias para su trabajo empezaron con un período de interés en el folclore Ruso, que progresaron a los autores clásicos y a la liturgia Latina. A esto le siguió el contemporáneo Francés (André Gide, en Persephone) llegando finalmente a la literatura inglesa: Auden, Eliot, y versos medievales ingleses. Al final de su vida él estaba poniendo incluso las escrituras hebreas en Abraham e Isaac .
Muere en la Ciudad de Nueva York el 6 de abril de 1971 a la edad de 88 y fue enterrado en Venecia en la isla del cementerio de San Michele. Su tumba está cerca de la de su antiguo colaborador Diaghilev. La vida de Stravinski abarcó la mayoría del siglo XX, incluyendo muchos estilos de música clásica moderna, influenciando a muchos compositores durante su vida y después de su muerte. Él posee una Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en Hollywood Boulevard 6340.

El período primitivo o ruso
El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo algunos trabajos menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para Diaghilev. Éstos ballets tienen varias características compartidas: están hechos para ser interpretados por orquestas sumamente grandes; los temas y motivos argumentales se basan en el folclore ruso; y llevan la marca de Rimsky-Kórsakov tanto es su desarrollo como en su instrumentación.
El primero de los balletes, El Pájaro de Fuego, es notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la orquestación. Petrushka, también se anota distintamente y es el primero de los balletes de Stravinski que uliliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer ballet, La consagración de la Primavera, el que generalmente es considerado la apoteosis del "Período Ruso" de Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. Hay varios pasajes famosos en esta obra, pero dos son de nota particular: el tema de la obertura basado en los sonidos del fagot con las notas en el límite de su registro, casi fuera de rango; y el golpeado, ocho notas fuera de lugar tocadas por las cuerdas y acentuadas por los cornos francés (ver La Consagración de la Primavera para una análisis más detallado de este trabajo).
Otras piezas de este período incluyen: Renard (1916), Historia de un soldado (Histoire du soldat) (1918), y Las Bodas (Les Noces) (1923), instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.

El período neoclásico
La siguiente fase del período composicional de Stravinsky, solapando al primero ligeramente, es marcado por dos trabajos: Pulcinella (1920) y Octeto (1923) para instrumentos de viento. Ambos trabajos ofrecen lo que será un sello de este período; es decir, el retorno de Stravinski, o "vuelta atrás" a la música clásica de Mozart, Bach y sus contemporáneos. Este estilo "neoclasico", que de hecho nació como una oposición al arrebatado subjetivismo del romanticismo y el expresionismo germánico, involucró el abandono de las grandes orquestas exigido por los ballets. En estas nuevas obras, escritas aproximadamente entre 1920 y 1950, Stravinski se vuelca mayoritariamente a los instrumentos de viento, piano, coros y trabajos de cámara. La Sinfonía de Instrumentos de Viento (1920) y la Sinfonía de los Salmos está entre los trabajos más finos compuestos para vientos.
Otros trabajos como Edipo Rey (Oedipus Rex) (1927), Apolo, dios de las musas (Apollon Musagéte) (1928) y el Concierto en Mi bemol (Dumbarton Oaks) (1931), continúan esta tendencia.
Algunos trabajos mayores de este período son las tres sinfonías: la Sinfonía de los Salmos (Symphonie des Psaumes) (1930), Sinfonía en Do (1940) y Sinfonía en Tres Movimientos (1945). Apollon, Perséphone (1933) y Orpheus (1947) también marcan la preocupación de Stravinski, durante este período, de no sólo volver a la música "Clásica" sino también volver a los temas "Clásicos",: en estos casos, la mitología de los antiguos griegos.
El pináculo de este período es la ópera The Rake's Progress completada en 1951. Esta ópera, escrita por W.H. Auden y basada en las pinturas y grabados de William Hogarth, encapsula todo lo que Stravinski había perfeccionado en los 20 años anteriores a su período neoclásico. La música es directa pero rara; pide prestado de la armonía tonal clásica pero también interpone disonancias sorprendentes; ofrece los ritmos fuera de lugar de la marca de fábrica de Stravinski; y recuerda a las óperas y temas de Monteverdi, Gluck y Mozart.
Después de la realización de ésta ópera Stravinski no escribió nunca más otro trabajo "neoclásico", comenzando a escribir la música que vendría a definir su cambio estilístico final.

El período dodecafónico o serialista
Sólo después de la muerte de Arnold Schoenberg en 1951, el inventor del dodecafonismo, Stravinski empieza a utilizar ésta técnica en sus propios trabajos. Sin duda, Stravinski se ayudó en su comprensión, e incluso su conversión, al método de los doce tonos en su confidente y ayudante Robert Craft, quién había estado defendiendo este método musical. De esta forma, los siguientes quince años fueron empleados en escribir trabajos en este estilo.
Stravinski empezó a impregnarse de la técnica dodecafónica en los primeros trabajos vocales más pequeños como Cantata (1952), Tres Canciones de Shakespeare (1953) y In Memoriam Dylan Thomas (1954), como si él estuviera probando el método. Él posteriormente empezó expandiendo el uso de la técnica en obras a menudo basadas en textos bíblicos como Cánticum sacrum y Threni (1958), A Sermon, a Narrative and a Prayer (1961), y El Diluvio (1962). Además durante esta etapa sobresalen títulos como Movimientos para piano y orquesta (1959), Monumentum pro Gesualdo y Réquiem canticles (1966), aunque ninguno de estos ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas precedentes.
Un trabajo importante de transición de este período en las obras de Stravinsky, es su retorno al ballet: Agon, un trabajo para doce bailarines escrito entre 1954 y 1957. Algunos números de Agon recuerdan la tonalidad de la "nota-blanca" del período neoclásico, mientras otros (el Bransle Gay, por ejemplo) el despliegue de su reinterpretación única del método serial. El ballet es así una clase de enciclopedia en miniatura de Stravinski, conteniendo muchas de las firmas que pueden ser halladas a lo largo de sus composiciones, primitivismo, neoclásicismo, o serialismo: peculiaridad rítmica y experimentación, ingeniosidad armónica, y un oído ágil para la orquestación impetuosa y autoritaria. De hecho, estas características son lo que hace que las producciones de Stravinski sean tan únicas cuando se compara con las obras de compositores seriales contemporáneos.

Las innovaciones composicionales
Stravinski comenzó a re-pensar el uso del "motive" y el ostinato ya en el ballet El Pájaro de fuego, pero el uso de estos elementos alcanzó su florecimiento en La consagración de la primavera.
Los "motives", que se desarrollan usando una frase musical distintiva que es seguidamente alterada y desarrollada a lo largo de una pieza musical tiene sus orígenes en la sonata de la era de Mozart. El primer gran innovador en este método fue Beethoven; el "leitmotive" famoso que abre la Quinta Sinfonía reaparece sorpresivamente a lo largo de la obra, siendo las permutaciones refrescantes un ejemplo clásico. Sin embargo, el uso de Stravinski en el desarrollo de los "motives" era único sobre todo por la manera que tenía de permutar estos. En "La consagración de la primavera" él introduce permutaciones aditivas, es decir, quitaba o agregaba una nota a un motifs sin tener en cuenta los cambios en la métrica.
Este ballet también es notable en el uso implacable de los "ostinati". El pasaje más famoso, mencionado anteriormente, es el ostinato de la octava nota de las cuerdas acentuadas por ocho trompas que aparecen en la sección Augurios Primaverales (Danzas de las adolescentes). Éste es quizás el primer caso en la música del ostinato extendido que no se usa ni para la variación ni para el acompañamiento de la melodía. En varios otros momentos en el trabajo de Stravinski este emplea varios ostinati sin tener en cuenta la armonía o el tempo de la obra, creando un pastiche, una clase de equivalente musical al cubismo en la píntura. Estos pasajes no sólo son notables por su calidad-pastiche sino también por su longitud: Stravinski los trata como un todo, como secciones musicales completas.
Tales técnicas figuraron por varias década como trabajos minimalistas de compositores como Terry Riley y Steve Reich.

El neoclasicismo
Stravinsky no fue el primer practicante del estilo neoclásico; de hecho el compositor alemán Richard Strauss podría ser el primero y más grande ejemplo (él compuso el Mozartian Der Rosenkavalier en 1910, cuando Stravinsky estaba empezando simplemente los trabajos de su período ruso). Otros, como Max Reger, estaban componiendo a la manera de Bach mucho antes que Stravinski, pero ciertamente este último fue un músico neoclásico inteligente. El estilo neoclásico se adoptaría después por compositores tan diverso como Darius Milhaud y Aaron Copland. Sergei Prokofiev una vez reprendió a Stravinski por sus amaneramientos neoclásicos, aunque simpáticamente, ya que Prokofiev había utilizado música similar para su Sinfonía No.1 de 1916-17.
Stravinski anunció su nuevo estilo en 1923 con su delicada obra para vientos Octeto. Las armonías claras, recordando la era de la música clásica de Mozart y Bach, y las combinaciones más simples de ritmo y melodía eran una contestación directa a las complejidades de la Segunda Escuela de Viena. Stravinski puede haber sido precedido en estos temas por compositores más tempranos como Erik Satie, pero no existe ninguna duda de que cuando Copland estaba componiendo su ballet Appalachian Spring estaba tomando a Stravinski como modelo.
Ciertamente tardíamente entre 1920 y 1930, el neoclasicismo fue aceptado como género moderno prevaleciendo entre los círculos musicales alrededor del mundo. Irónicamente, fue el propio Stravinski quién anunció la muerte del neoclasicismo al menos en su propio trabajo, y tal vez para el mundo, con la realización de su ópera The rake's Progress en 1951. Una suerte de declaración última para el estilo, la ópera fue ampliamente ridiculizada por parecer en demasía una "vuelta atrás" incluso por aquéllos que habían alabado el nuevo estilo sólo tres décadas antes.

Ballets
El pájaro de fuego (L'oiseau de feu), para orquesta (1910)
Petrushka, para orquesta (1911)
La consagración de la primavera (Le sacre du printemps), para orquesta (1913)
Solovey (El Ruiseñor) (Solovey (Le Rossignol)), para solistas vocales, coro y orquesta (1914)
Renard (1916)
Historia de un soldado (Histoire du Soldat), para grupo de cámara y tres narradores (1918)
Pulcinella, para orquesta de cámara y solistas (1920)
Apolo, dios de las musas (Apollon Musagète), para orquesta de cuerdas (1928)
El beso del hada (Le Baiser de la fée), para orquesta (1928)
Perséphone, para narrador, solistas, doble coro y orquesta (1933)
Jeu de cartes, para orquesta (1936)
Scènes de ballet, para orquesta (1944)
Orpheus, para orquesta de cámara (1947)
Agon, para orquesta de cámara (1957)

Obras orquestales
Sinfonía en Mi bemol (1907)
Scherzo fantastique (1908)
Fuegos artificiales (Feu d'artifice) (1908)
El canto del ruiseñor (Le chant du rossignol) (1917)
Quatre études, para orquesta (1918)
Sinfonía de instrumentos de viento (1920)
Suite para Pulcinella, para orquesta (1920)
Suite No.2, para orquesta de cámara (1921)
Suite No.1, para orquesta de cámara (1925)
Concierto para piano e instrumentos de viento (1925)
Capriccio, para piano y orquesta (1929)
Concierto para violín en Re (1931)
Divertimento para orquesta, Suite de El Beso del hada (1934)
Preludium for jazz band (1937)
Concierto en Mi bemol (Dumbarton Oaks), para orquesta de cámara (1938)
Sinfonía en Do (1940)
Circus polka, para orquesta (1942)
Danses concertantes, para orquesta de cámara (1942)
Four norwegian moods, para orquesta (1942)
Ode, para orquesta (1943)
Scherzo a la russe, para orquesta (1944)
Sinfonía en tres movimientos (1945)
Ebony concerto, para clarinete y banda de jazz (1945)
Concierto en Re, orquesta de cuerdas (1946)
Tango, para orquesta de cámara (1940/1953)
Greeting prelude, para orquesta (1955)
Movimientos, para piano y orquesta (1958-1959)
8 instrumental miniatures, para 15 interpretes, orquestación de Les Cinq Doigts (1963)
Variaciones (Variations), en memoria de Aldous Huxley (1963-1964)

Obras para piano
Tarantella, para piano (1898)
Scherzo, para piano (1902)
Sonata en Fa sostenido menor, para piano (1904)
Quatre Etudes, para piano Op.7 (1908)
La consagración de la primavera (Le Sacre du Printemps) para dos pianos (1913)
Valse des fleurs, para dos pianos (1914)
Trois pièces faciles, para dos pianos (1915)
Souvenir d'une marche boche para píano (1915)
Cinq pièces faciles, para dos pianos (1917)
Valse pour les Enfants, para piano (1917)
Piano Rag Music, para piano (1919)
Chorale, para piano (1920)
Les Cinq Doigts, para piano (1921)
Sonata, para piano (1924)
Serenade, para piano (1925)
Concierto para dos pianos (1935)
Tango, para piano (1940)
Sonata para dos pianos (1943)
Two Sketches for a Sonata, para piano (1967)

Obras de cámara
Tres piezas para cuarteto de cuerdas (1914)
Pour Pablo Picasso, pieza para clarinete (1917)
Canon para dos trompas (1917)
Dueto para dos fagots (1918)
Suite para Historia de un soldado (Histoire du Soldat), para violin, clarinete y piano (1919)
Tres piezas para clarinete (1919)
Concertino para cuarteto de cuerdas (1920)
Octeto, para instrumentos de viento (1923)
Duo Concertant para violin y piano (1932)
Pastorale, para violin y piano (1933)
Suite Italienne (de Pulcinella), para violin o violonchelo y piano (1933-1934)
Elegy, para solo de viola (1944)
Septeto (1953)
Epitaphium, para flauta, clarinete y arpa (1959)
Double Canon, para cuarteto de cuerdas en memoria de Raoul Dufy (1959)
Monumentum Pro Gesualdo Di Venosa (arreglo), para grupo de cámara (1960)
Fanfare for a New Theatre, para dos trompetas (1964)