Pierrot Lunaire

Pierrot Lunaire es un ciclo de 21 canciones agrupadas en tres partes, compuestas en 1912 sobre poemas de Albert Giraud en la traducción al alemán de Hartleben. Estos melodramas utilizan la voz femenina como instrumento para el canto y un estilo casi hablado (Sprechgesang) con acompañamiento de flauta (alternando con piccolo), clarinete (alternando con clarinete bajo), violín (alternando con viola), violoncello y piano. Gracias a distintas permutaciones, cada pieza tiene una instrumentación distinta o de características propias. Esta obra atonal supone también un retorno a la música de cámara.

Aunque libremente es atonal, el lunaire de Pierrot marca una vuelta al counterpoint y mira adelante al atonality pedido del serialism. Sin embargo, el aspecto del estilo del Expressionist de Schoenberg que tenía el impacto más grande en compositores más últimos era su concepto de la música como libre, campo cromático del doce-tono donde cualquier configuración de echadas podría actuar como “norma.” La música del contexto, donde cada trabajo define su propio vocabulario y método particulares, se puede entender solamente en términos de estos nuevos, más amplios límites.

Au clair de la lune, ami Pierrot del lunes

El trabajo es un melodrama, una forma popular en ese entonces, consistiendo en la poesía hablada contra un fondo instrumental. El título de Schoenberg describe el trabajo como “tres por siete poemas de Albert Giraud en la traducción alemana de Otto Erich Hartleben.” El lunaire de Pierrot es el trabajo importante pasado del período del Expressionist de Schoenberg (1907 a la Primera Guerra Mundial).

1874-1951) madurez musical alcanzada de Schoenberg (en Viena, el hogar de Freud y el movimiento del arte del Expressionist que dominaron Alemania y Austria durante el vigésimo siglo temprano. El Expressionism se define generalmente como arte en el cual la representación de la naturaleza se subordine a la expresión de la emoción. Ciertos artistas del Expressionist favorecieron imágenes del non-representational a las emociones del proyecto directamente, sin interferencia del mundo del “exterior”. En el tiempo casi igual que Wassily Kandinsky pintó sus primeras pinturas no-objetivas, Schoenberg abandonó tonalidad. La música durante este período se parecía verter hacia fuera de un nivel profundo de su psique. En su obra maestra del Expressionist, Erwartung (“expectativa”) Op.17 (1909), la histeria de la búsqueda terror-pulsada de una mujer para su amante es evocado por haber hecho fragmentos, texto del corriente-de-sentido reflejado fielmente por música turbulenta, athematic, atonal en libre, prosa-como ritmo.

En Schoenberg 1912 satisfecho el actriz-cantante Albertine Zehme (1857-1946), que se especializó en melodrama. Poemas a menudo declaimed de Zehme a la música de Chopin. Ella también cantó 1880-1950) ajustes de la canción de Otto Wrieslander (de las traducciones de Hartleben del lunaire de Pierrot de Albert Giraud (1860 -1929). Zehme introdujo los poemas de Giraud-Hartleben a Schoenberg y solicitó un ciclo de recitations con la música para sus conciertos de la tarde en una nueva clase de cabaret del “colmo” (es decir serio). Schoenberg respondió positivamente en su diario, escritura, “una idea maravillosa, absolutamente derecha para mí.”

El plume de Prête-moi TA, vierte el mot del un del écrire

Eligiendo veintiuno poemas, Schoenberg planeó un trabajo de tres partes. En la parte I, Pierrot, intoxicó por la luna, fantasizes sobre amor, sexo, y la religión. La parte II lo encuentra en un mundo violento de la pesadilla del pillaje y de la blasfemia. En la parte III que él viaja a casa a Bérgamo, frecuentada por pensamientos nostálgicos de a fabled más allá.

Los ajustes de Schoenberg no hacen caso virtualmente de la estructura rígida de los stanzas y exhiben una variedad formal enorme que se extiende de counterpoint libre, no repetitivo (Enthauptung o “decapitación”) a uno de los canon más rigurosamente controlados y la fuga escrita desde el renacimiento (Der Mondfleck o “el Moonspot”). Los ocho instrumentos jugaron por cinco ejecutantes (piano, flauta/flautín, Clarinet/Clarinet bajo, violín/viola y violoncelo) se arreglan diferentemente en cada número y producen una variedad asombrosa de sonido. Entre los momentos excepcionales es el duet fascinador del flauta-narrador en el kranke Mond (“la luna enferma” de Der) y los sonidos sombríos del Clarinet bajo y del violoncelo en Nacht (“noche”), donde el “negro, las mariposas gigantes desciende sobre los corazones de hombres.” Una característica unforgettable es Sprechstimme de los vocalist “,” un declamation misterioso entre la canción y el discurso. Se suena pero no se lleva a cabo la echada; en lugar, el vocalist sale inmediatamente de la nota y baja o se levanta el siguiente. Éste era el primer trabajo musical para requerir una aproximación tan detallada de una línea “melódica”.

Muchos analistas de la música creen que la descripción del título “dreimal sieben” (tres por siete) la gran significación llevada a cabo para el compositor, que tenía en gran número mysticism seriamente interesado convertido. El número de canciones seleccionó (21) reveses los dígitos de el número del opus (12) y 1912, el año de la composición. Los números tres, siete, y trece dominan el trabajo. Tres autores están implicados-Giraud, Hartleben y Schoenberg-y las tres piezas del trabajo por cada uno contienen siete poemas. Los poemas, todos los rondeaux terminantes, tienen tres versos el sumar de trece líneas, con la primera línea indicada tres veces (con repeticiones en las líneas siete y trece). El conjunto de ejecución, compuesto del conductor, vocalist, y cinco instrumentalists, los totales siete miembros, y el adorno de Pierrot de la siete-nota (G#, E, C, D, Bb, C#, nota ida para cada letra en el nombre de Pierrot) es omnipresent a través de la música.

Después de cuarenta ensayos, el lunaire de Pierrot premiered en la Berlín Choralion-saal el 16 de octubre de 1912. Zehme estaba parado solamente en etapa en traje mientras que el compositor condujo a músicos detrás de una pantalla. El compositor austríaco Antón Webern, que atendió a la premier, escribió, “naturalmente allí era algunos personas que silbaron. pero eso no significó nada. Había entusiasmo después de la segunda parte, y en el tercero había un lugar en donde el malestar fue causado por un idiota que reía. pero en el extremo. era un éxito incompetente.”

Morte del est del chandelle del mA, n'ai de Je más de feu

Después de terminar el lunaire de Pierrot Schoenberg se cayó casi silencioso hasta que sus trabajos del doce-tono aparecieron en 1924. Después de la premier, pronto llegó a ser popular, el éxito debido en parte al vogue actual del tema. La figura del dell'arte del commedia, pieza la marioneta muda, el ser sensible de la parte, presentó una imagen de la duda sobre la energía del hombre sobre se. Abrogó tanto a Picasso y a Stravinsky (en Petrushka) en cuanto a Schoenberg.

El trabajo es lleno de ambigüedades. Las traducciones alemanas de versos franceses cambian en varias ocasiones en medio primero y tercera narración de la persona. La “luz, tono irónico, satírico” está fundida con sensaciones del terror, de la violencia, y de la nostalgia. La composición miente entre la etapa y el salón de conciertos, con el soloist vocalizing entre la canción y el discurso. Su naturaleza de teatro, ofreciendo a un agente e incluyendo alusiones a las escenas de un juego, influenció el teatro más último de la música de la jaula, de Kagel, y de Stockhausen, entre otros.

Aunque un paquete de contradicciones, confusión de los lunaire de Pierrot expresa una conexión fundamental hecha por el inconsciente entre las sensaciones que son normalmente postes aparte: deseo y crueldad, placer y dolor, ecstasy y melancolía. Si tales sensaciones invocaron el exultation entre el diecinueveavo-siglo Romantics, artistas más últimos tendieron para proyectar sarcasmo a través del payaso pathetic que de imitación la imagen del poeta, parodia su heroics, y derides sus logros. Con todo estaba con el alma del payaso a que la ironía podría afirmar de nuevo sí mismo y concede la uno mismo-justificación del artista y una visión de un nuevo domicilio espiritual.